TCC - Cinema e Audiovisual - Artigo ou TCC

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ILAACH - Centro de Letras e Artes - Bacharelado em Cinema e Audiovisual

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Obra audiovisual “Jardim de Espelhos”
(2026-01-12) Azevedo Cancio, Danilo; Sosa Reyes, Karen Jazmin; Rossi, Luana; Blanco Martínez, Ricardo
O presente trabalho propõe o desenvolvimento conceitual, estético e técnico do curta-metragem Jardim de Espelhos. A obra articula a estética sacro-profana como linguagem poética para tensionar moralidades religiosas, sobretudo no que diz respeito à repressão dos desejos e da diversidade sexual. A pesquisa teórica parte da teoria do cinema de poesia, o pensamento queer e a construção imagética de um universo próprio. Na segunda parte, o projeto se desdobra na elaboração prática do curta e demais escolhas criativas que atravessam a realização, incluindo visão das áreas de direção, direção de fotografia, montagem e produção. Resumen El presente trabajo propone el desarrollo conceptual, estético y técnico del cortometraje Jardim de Espelhos. La obra articula la estética sacro-profana como lenguaje poético para tensionar las moralidades religiosas, especialmente en lo que respecta a la represión de los deseos y de la diversidad sexual. La investigación teórica parte de la teoría del cine de poesía, el pensamiento queer y la construcción imagética de un universo propio. En la segunda parte, el proyecto se desdobla en la elaboración práctica del cortometraje y otras decisiones creativas que atraviesan la realización, incluyendo la visión de las áreas de dirección, dirección de fotografía, montaje y producción.
Quando Elas Recebem Flores? Roteiro de série documentário ficcional
(2026-01-12) Lima, Aurora Augusto
“Quando Elas Recebem Flores?” é um roteiro de série documental que incorpora elementos ficcionais para expandir a experiência sensível do público. A obra trata dos afetos entre pessoas trans e travestis, entendendo afeto não apenas como relação amorosa. Mas como tudo aquilo que atravessa e transforma os corpos retratados. O projeto propõe um respiro diante das violências cotidianas, ao mesmo tempo em que evidencia problemáticas contemporâneas da comunidade T. Mais do que a denúncia, a série celebra corpos que criam, resistem e se reinventam, convidando o público a refletir sobre as conquistas já alcançadas e os passos ainda por vir em um futuro incerto, mas pleno de beleza, força e imaginação. O projeto se estrutura a partir dos biomas brasileiros e o processo de migração, em diálogo com três personagens trans que vivem e atuam nesses territórios. A escolha por esse recorte não é apenas geográfica, mas simbólica: a natureza e a cultura se entrelaçam, revelando modos de existir e resistir que emergem da relação entre corpo e ambiente. As narrativas são costuradas por uma linguagem que evidencia o próprio fazer cinematográfico, lembrando o público de que se trata de cinema e de escolhas de recorte. O projeto reconhece que nenhuma obra representa a totalidade de uma população. Por isso, utiliza a metalinguagem e a ficcionalização como estratégias. O desenvolvimento do roteiro baseia-se em pesquisa de campo e entrevistas com as personagens, articulando registros documentais e encenações poéticas para construir a narrativa. Em vez de reduzir personagens a estigmas, “Quando Elas Recebem Flores?” celebra suas memórias, vivências, redes de afeto e de criação cultural, como as comunidades trans e a cena ballroom que pulsam em diferentes regiões do Brasil. Com ritmo poético e pulsação coletiva, a série se constrói como gesto político e sensível, reafirmando a potência da arte audiovisual enquanto ferramenta de celebração e transformação. Mais do que documentar, propõe imaginar futuros, ocupações e conquistas, ao mesmo tempo em que registra corpos trans e travestis em sua vitalidade, complexidade e criatividade. Portanto, a série é um convite para pensar os atravessamentos do presente, ressignificar a memória e ampliar os horizontes do que pode ser visto e sonhado no audiovisual brasileiro. Resumen “¿Cuándo Ellas Reciben Flores?” Es un guión de serie documental que incorpora elementos ficcionales para expandir la experiencia sensible del público. La obra aborda los afectos entre personas trans y travestis, entendiendo el afecto no solo como relación amorosa, sino como todo aquello que atraviesa y transforma los cuerpos retratados. El proyecto propone un respiro ante las violencias cotidianas, al mismo tiempo que evidencia problemáticas contemporáneas de la comunidad T. Más que una denuncia, la serie celebra cuerpos que crean, resisten y se reinventan, invitando al público a reflexionar sobre las conquistas ya alcanzadas y los pasos que aún están por venir en un futuro incierto, pero lleno de belleza, fuerza e imaginación. El proyecto se estructura a partir de los biomas brasileños y del proceso de migración, en diálogo con tres personajes trans que viven y actúan en esos territorios. La elección de este recorte no es solo geográfica, sino simbólica: la naturaleza y la cultura se entrelazan, revelando modos de existir y resistir que emergen de la relación entre cuerpo y ambiente. Las narrativas son hiladas mediante un lenguaje que evidencia el propio hacer cinematográfico, recordándole al público que se trata de cine y de decisiones de enfoque. El proyecto reconoce que ninguna obra representa la totalidad de una población; por eso utiliza la metalingüística y la ficcionalización como estrategias. El desarrollo del guión se basa en investigación de campo y en entrevistas con las protagonistas, articulando registros documentales y puestas en escena poéticas para construir la narrativa. En lugar de reducir a las personas a estigmas, “¿Cuándo Ellas Reciben Flores?” celebra sus memorias, vivencias, redes de afecto y de creación cultural, como las comunidades trans y la escena ballroom que laten en distintas regiones de Brasil. Con un ritmo poético y una pulsación colectiva, la serie se construye como un gesto político y sensible, reafirmando la potencia del arte audiovisual como herramienta de celebración y transformación. Más que documentar, propone imaginar futuros, ocupaciones y conquistas, al mismo tiempo que registra cuerpos trans y travestis en su vitalidad, complejidad y creatividad. Por lo tanto, la serie es una invitación a pensar los atravesamientos del presente, resignificar la memoria y ampliar los horizontes de lo que puede ser visto y soñado en el audiovisual brasileño.
La teta asustada, filme donde refleja en las mujeres secuelas que produjo el conflicto armado en el Perú
(2026-01-09) Flores, Brandon Martin Quispe
Este projeto busca analisar o filme da cineasta Claudia Llosa, La teta asustada (2009), a partir do impacto que o conflito armado teve na sociedade peruana, especialmente nas mulheres. Por meio da história de Fausta, que sofre o trauma de ter sido concebida com violência durante a época do terrorismo, conheceremos a importância da canção andina como parte fundamental da tradição cultural, atuando como um meio de escape para confrontar e superar a dor, ao mesmo tempo em que serve como símbolo de resistência e resiliência diante das atrocidades. Através deste filme, veremos a representação da mulher andina no mundo fictício do cinema peruano. A obra utiliza esses elementos, juntamente com os simbolismos presentes, para explorar o vínculo entre o trauma pessoal e coletivo em uma sociedade marcada pela violência. Resumen Este proyecto trata de analizar la película de la cineasta Claudia Llosa, La teta asustada (2009) a partir del impacto que tuvo el conflicto armado en la sociedad peruana, especialmente en las mujeres. A través de la historia de Fausta quien sufre el trauma de haber sido concebida bajo violencia durante la época de terrorismo iremos conociendo el aporte que tiene la canción andina como parte fundamental de la tradición cultural como un medio de escape para confrontar y superar el dolor, mientras que al mismo tiempo sirve como símbolo de resistencia y resiliencia frente a las atrocidades. Mediante esta película veremos a representación que tiene la mujer andina en el mundo ficticio del cine peruano. La película utiliza estos elementos, junto con los simbolismos presentes, para explorar el vínculo entre el trauma personal y colectivo en una sociedad marcada por la violencia.
Quando as telas guiam viagens: vídeos curtos que fomentam o desejo de consumo turístico
(2026-01-06) Klarosk, Jeniffer Olivetti
Esta pesquisa investiga o papel central que os vídeos curtos do Instagram desempenham na configuração do desejo turístico contemporâneo, tomando como cenário as viagens de “bate-e-volta” para Holambra, no estado de São Paulo. Partindo da premissa de que as telas antecipam e organizam a experiência de viagem, o estudo busca compreender os mecanismos técnicos, estéticos e discursivos que transformam destinos turísticos em produtos de consumo visual. A partir de uma análise multimodal qualitativa de quatro vídeos selecionados por sua alta recorrência algorítmica, examinam-se os recursos formais que estruturam esse tipo de conteúdo — desde a composição imagética e a presença performativa do corpo até o ritmo da montagem e as estratégias sonoras que orientam a leitura do espectador. A investigação mostra que esses vídeos mobilizam uma estética de aparente espontaneidade: planos amplos que constroem uma sensação de naturalidade, gestos corporais que encenam vivências acessíveis e cortes acelerados que mantêm a atenção em constante movimento. Essa visualidade fluida, combinada a narração guiada e a supressão da ambiência sonora real, simplifica a experiência do território e produz um modelo de visitação facilmente replicável. Conclui-se que essa gramática audiovisual opera como um dispositivo de antecipação do modo de ver, reforçando padrões homogêneos de desejo turístico e contribuindo para a redução dos destinos a cenários performativos, mais alinhados à lógica da visibilidade digital do que à complexidade cultural dos lugares. Resumen Esta investigación analiza el papel central que los videos cortos de Instagram desempeñan en la configuración del deseo turístico contemporáneo, tomando como escenario los viajes de “ida y vuelta” a Holambra, en el estado de São Paulo. Partiendo de la premisa de que las pantallas anticipan y organizan la experiencia de viaje, el estudio busca comprender los mecanismos técnicos, estéticos y discursivos que transforman los destinos turísticos en productos de consumo visual. A partir de un análisis multimodal cualitativo de cuatro videos seleccionados por su alta recurrencia algorítmica, se examinan los recursos formales que estructuran este tipo de contenido —desde la composición imagética y la presencia performativa del cuerpo hasta el ritmo del montaje y las estrategias sonoras que orientan la lectura del espectador. La investigación muestra que estos videos movilizan una estética de aparente espontaneidad: planos amplios que construyen una sensación de naturalidad, gestos corporales que escenifican experiencias accesibles y cortes acelerados que mantienen la atención en constante movimiento. Esta visualidad fluida, combinada con la narración guiada y la supresión de la ambientación sonora real, simplifica la experiencia del territorio y produce un modelo de visita fácilmente replicable. Se concluye que esta gramática audiovisual opera como un dispositivo de anticipación del modo de ver, reforzando patrones homogéneos de deseo turístico y contribuyendo a la reducción de los destinos a escenarios performativos, más alineados con la lógica de la visibilidad digital que con la complejidad cultural de los lugares.
Sin historia no hay cámara audiovisual comunitario en la Escuela Audiovisual Infantil
(2026-01-01) Silva Calderon, Edilson
Esta pesquisa de graduação em cinema e audiovisual, apresentado como uma monografia, examina o trabalho da Escola Audiovisual Infantil (EAI), fundada em 2005. A metodologia da escola baseia-se na produção audiovisual comunitária na comunidade de Belén de los Andaquíes, Caquetá, Colômbia. Crianças e jovens interagem dentro de sua própria comunidade, narrando suas histórias por meio da arte audiovisual. Eles desenvolvem soluções aos desafios, fomentando a criatividade, a autoestima e uma forma de auto-lembrança dentro de sua comunidade, criando sua própria linguagem narrativa, visual e auditiva. Através de seu lema, "Sem História não tem Câmera", a escola incentiva seus membros a contar histórias sobre seu próprio território com base em suas experiências vividas. A mídia audiovisual e a educação não tradicional interagem em uma área onde os jovens foram marcados pela violência social, limitando as oportunidades educacionais e novas formas de vislumbrar o futuro. A mídia audiovisual intervém nessas áreas, proporcionando uma diversidade de oportunidades e relatos de "não esquecer". A escola, por meio de seus métodos de ensino não convencionais, influenciou todos os seus membros que vivenciaram os processos durante um período tão difícil para o país devido à violência perpetrada por grupos armados. A EAI é um exemplo de produção audiovisual comunitária na Colômbia e de narrativa coletiva na América Latina. Ela representa um compromisso com novas perspectivas e o fortalecimento dos laços com a comunidade. Resumen Esta investigación de conclusión de grado en cine y audiovisual en la modalidad de monografía, abarca el proceso de la Escuela Audiovisual Infantil (EAI) creada a partir del año 2005, que desenvuelve su metodología de trabajo a través del audiovisual comunitario, realizado en la comunidad de Belén de los Andaquíes - Caquetá, Colombia. Los niños, niñas y jóvenes interactúan en su propio territorio, narrando a través del arte audiovisual, dando soluciones a los desafíos para fomentar la creatividad, autoestima y una forma de auto-memoria en su propia comunidad, creando su propio lenguaje narrativo, visual y sonoro. A través de su lema “Sin Historia no hay Cámara” incentiva a los integrantes de la escuela a narrar su propio territorio a partir de sus vivencias. El audiovisual y la educación no convencional interactúan en una zona donde los jóvenes fueron marcados por la violencia social, limitando las oportunidades de educación y nuevas formas de ver el futuro. El audiovisual interrumpe en estas zonas, dando consigo una diversidad de oportunidades y relatos del “no olvido”. La escuela a través de sus pedagogías no convencionales influyó en todos los integrantes que vivieron los procesos en un momento tan difícil del país por los hechos violentos de los grupos armados. La EAI es un referente del audiovisual comunitario en Colombia y de la colectividad en sus narrativas comunitarias en América Latina. Una apuesta a nuevas miradas y fortalecimiento de lazos con la comunidad.
El uso de la plasticidad cromática en los colores de la montaña (2010)
(2025-12-23) Urgiles Peñaloza, Kathy Rocio
O presente trabalho investiga e analisa o uso da cor como recurso narrativo e simbólico no filme Los colores de la montaña (2010), dirigido por Carlos César Arbeláez e com direção de arte de Gonzalo Martínez. Fundamentado nas contribuições teóricas de Mercedes García Navas, Eva Heller, Carolina Bassi de Moura e Maira Moraes Mesquita, o estudo também recorre a entrevistas com o diretor e o diretor de arte para aprofundar as estratégias visuais e narrativas que permitem compreender a cor e sua plasticidade como um recurso expressivo no cinema, capaz de construir atmosferas, emoções e tensões narrativas ao transformar a paisagem visual em uma memória sensível do conflito e da infância que o atravessa. Resumen El presente trabajo investiga y analiza el uso del color como recurso narrativo y simbólico de la película "Los colores de la montaña" (2010), dirigida por Carlos César Arbeláez y con dirección de arte de Gonzalo Martínez. Sustentado en los aportes teóricos de Mercedes García Navas, Eva Heller, Carolina Bassi de Moura, Maira Moraes Mesquita, el estudio también recurre a entrevistas con el director y el director de arte para profundizar en las estrategias visuales, narrativas que permiten comprender el color y su plasticidad como un recurso expresivo en el cine, construyendo atmósferas, emociones, tensiones narrativas al transformar el paisaje visual en una memoria sensible del conflicto y de la infancia que lo atraviesa.
Dirección de arte en el cine peruano y su papel narrativo: análisis de la película "Un mundo para Julius" (2021)
(2025-12-22) Mallqui Bazán, Camila Antonia
O presente trabalho centra-se na análise da direção de arte e seus elementos no filme peruano, Um mundo para Julius (Rossana Díaz Costa, 2021). São analisados o figurino, a cenografia, o mobiliário e os objetos de cena, com suas respectivas cores, formas e texturas. Serão abordadas também as dificuldades que enfrenta a direção de arte dentro da indústria cinematográfica peruana. Este estudo tem como objetivo analisar como os elementos da direção de arte participam da narrativa, do desenvolvimento dos personagens, da atmosfera e da trama do filme. Este trabalho foi realizado seguindo uma metodologia própria de análise fílmica para a análise da direção de arte, além de realizar uma extensa revisão bibliográfica sobre temas afins. Os resultados obtidos após a realização deste estudo demonstram como a direção de arte contribui para demarcar e materializar a divisão de classes sociais dentro de um filme. Resumen El presente trabajo se centra en el análisis de la dirección de arte y sus elementos en la película peruana, Un mundo para Julius (Rossana Díaz Costa, 2021). Son analizados el vestuario, la escenografía, el mobiliario, y la utilería, con sus respectivos colores, formas y texturas. Serán abordadas también las dificultades que enfrenta la dirección de arte dentro de la industria cinematográfica peruana. Este estudio tiene como objetivo analizar cómo los elementos de la dirección de arte participan en la narrativa, desarrollo de personajes, atmósfera y la trama de la película. Este trabajo se realizó siguiendo una metodología de análisis fílmico propio para el análisis de la dirección de arte, además de realizar una extensa revisión bibliográfica sobre temas afines. Los resultados obtenidos tras la realización de este estudio demuestran cómo la dirección de arte contribuye para demarcar y materializar la división de clases sociales dentro de un filme.
Foz do Oeste Caboclo
(2025-12-15) Gomes, Ana Beatriz de Souza; Santos, Jhiovanna Pinheiro dos; López Díaz, José Antonio
O presente trabalho apresenta uma análise crítica do processo de realização do curta-metragem de ficção Foz do Oeste Caboclo, desenvolvido a partir da proposta de subverter elementos clássicos do gênero western por meio de uma narrativa com protagonismo feminino ambientada em Foz do Iguaçu. A partir da experiência prática das etapas de criação, preparação e execução do filme, são discutidas as escolhas estéticas e metodológicas das áreas de Direção, Direção de Fotografia e Direção de Produção, refletindo sobre os resultados alcançados, os desafios enfrentados e as soluções encontradas ao longo da produção. Resumen El presente trabajo ofrece un análisis crítico del proceso de realización del cortometraje de ficción Foz do Oeste Caboclo, desarrollado con la propuesta de subvertir elementos clásicos del género western mediante una narrativa protagonizada por una mujer y ambientada en Foz do Iguaçu. A partir de la experiencia práctica en las etapas de creación, preparación y ejecución del filme, se discuten las decisiones estéticas y metodológicas de las áreas de Dirección, Dirección de Fotografía y Dirección de Producción, reflexionando sobre los resultados obtenidos, los desafíos enfrentados y las soluciones encontradas durante la producción.
Dirección de arte y la cultura en obras audiovisuales de animación stop motion de los géneros horror y fantasía: un análisis de toy salesman
(2025-12-19) Benitez Flores, Linda Aylem
A presente pesquisa baseia-se na análise da direção de arte de obras audiovisuais que utilizam a técnica de animação stop motion, com foco nos gêneros fantasia e horror, assim como nos subgêneros fantasia sombria e terror psicológico. O tema é abordado a partir do curta-metragem chinês Toy Salesman (2024), produzido pelo Puppet Passion Studio. São examinados principalmente elementos como paletas de cores, texturas, formas, design de personagens e cenários utilizados. Além disso, identificam-se as representações culturais, como mitologias, contos e lendas, sua relevância social e a relação com seu país de origem e contexto histórico, bem como os simbolismos presentes nos cenários criados, nos animais e na natureza. Também são apresentados exemplos de obras dentro do contexto da animação e da técnica mencionada. Resumen La presente investigación se basa en el análisis de la dirección de arte de obras audiovisuales que utilizan la técnica de animación Stop Motion, con un enfoque en los géneros fantasía y horror, así como los subgéneros fantasía oscura y terror psicológico. El tema es abordado a partir del cortometraje chino Toy Salesman (2024) producido por Puppet Passion Studio. Se examinan principalmente elementos como paletas de colores, texturas, formas, diseños de personajes y escenarios utilizados. Además, se identifican las representaciones culturales, como mitologías, cuentos y leyendas, su relevancia social y la relación con su país de origen y contexto histórico, así como simbolismos en los escenarios creados, los animales y la naturaleza, también se exponen ejemplos de obras en el contexto de animación y técnica mencionada.
A árvore em Malick e Wenders: uma análise figurativa e simbólica
(2025-12-18) Roehrs, Elian Emanuel Coutinho
O presente trabalho analisa a árvore enquanto motivo visual nos filmes A Árvore da Vida (Terrence Malick, 2011) e Dias Perfeitos (Wim Wenders, 2023). Adota-se a análise fílmica comparada a fim de descrever como o motivo é configurado formalmente (composição, luz, enquadramento e recorrência) e interpretar seus sentidos, funções e potencialidades na construção de narrativas, atmosferas e experiências do espectador. O corpus é composto pelos dois longas-metragens, examinados através de planos selecionados, com ênfase em recorrências simbólicas, variações contextuais e estados contemplativos. Como contribuição, o estudo elucida convergências e diferenças no emprego da árvore como signo visual e propõe um quadro comparativo que relaciona escolhas estéticas a efeitos de sentido nas obras analisadas.
Obra audiovisual: Notas de Helena
(2025-12-17) Zucchi, Julia Mariane; Vasquez López, Tomas Enrique ; Santos, Wagner Correa dos
Notas de Helena é um curta-metragem de ficção que aplica uma série de procedimentos narrativos próprios do gênero musical. Este trabalho documenta as etapas de conceitualização, criação e produção da obra fílmica e investiga as técnicas cinematográficas que integram a composição estética inspirada no movimento artístico Art Déco. O relato aborda a psique fragmentada da protagonista, uma artista sob crise financeira que dissolve a realidade à projeção de seus desejos e medos. A metodologia combinou a execução prática das etapas de filmagem com referências teóricas no âmbito da direção, direção de fotografia, direção de arte e som, orientando as principais decisões criativas. Os resultados demonstram que o audiovisual desempenha um papel fundamental na construção da potência dramática da música em cena, ampliando a expressividade emocional e a dimensão crítica da narrativa. O registro do processo na área de produção serve ainda como material de referência para produções independentes com limitações orçamentárias. Resumen Notas de Helena es un cortometraje de ficción que recontextuliza una serie de procedimientos narrativos extraídos del género musical. Este trabajo documenta las etapas de conceptualización, creación y producción de la obra fílmica e investiga las técnicas cinematográficas que integran la composición estética inspirada en el movimiento artístico Art Déco. El relato aborda la psique fragmentada de la protagonista, una artista en crisis financiera que diluye la realidad en la proyección de sus deseos y miedos. La metodología combinó la ejecución práctica de las etapas de filmación con referencias teóricas en el ámbito de la dirección, dirección de fotografía, dirección de arte y sonido, orientando las principales decisiones creativas. Los resultados demuestran que el audiovisual desempeña un papel fundamental en la construcción de la potencia dramática de la música en escena, ampliando la expresividad emocional y la dimensión crítica de la narrativa. El registro del proceso en el área de producción sirve además como material de referencia para producciones independientes con limitaciones presupuestarias.
Quadrinhos e Cinema reinventando o Film Noir: figuras de heroísmo e espaço urbano em Batman (1989) Batman Forever (1995) e The Batman (2022)
(2025) Bernabé Rocha Cavalcanti Caprucho, Lucas
O objetivo deste trabalho é estudar as linguagens do cinema e quadrinhos em torno dos motivos visuais e temas convergentes entre o universo de Batman e o film noir. Através da metodologia do Cinema Comparado (Souto) será feita uma coleção com os filmes Batman (1989), Batman Forever (1995) e The Batman (2022) para estudar como as escolhas estilísticas reelaboram o heroísmo dúbio do personagem e o espaço urbano da criminalidade, observando, também, como as linguagens dos quadrinhos e dos filmes dialogam e reconfiguram esses motivos visuais. Para isso, será utilizada a definição de estilo de David Bordwell e a teoria de gênero de Rick Altman.
Maré Mãe: roteiro de longa-metragem ficcional
(2025-08-12) Santos, Élida Fátima Bueno de Oliveira dos
Maré Mãe é um roteiro de longa-metragem que se insere no gênero drama, incorporando elementos de comédia para criar alívios cômicos em uma narrativa profunda. A obra questiona estereótipos associados à maternidade e à terceira idade, utilizando uma perspectiva feminista que desafia as narrativas patriarcais tradicionais. Os temas centrais incluem maternidade, conflitos geracionais e etarismo, com foco em representações frequentemente superficiais de personagens femininas, tanto em produções comerciais quanto independentes. O projeto propõe a quebra de estereótipos ligados à figura da mulher, da entidade-mãe e da velhice, revelando traumas e crenças que atravessam gerações, especialmente nas relações entre avó, mãe e filha. Aborda o “não dito” nas relações familiares, explorando a dor e o silêncio que muitas vezes se instalam entre essas mulheres. Estruturado em três atos, o roteiro revela a perspectiva de uma mãe em conflito, com dificuldades emocionais para lidar tanto com suas dores quanto com as de sua filha. O luto também é um subtema importante, não apenas como perda física, mas como um processo simbólico que atravessa as personagens, seja pela morte da matriarca, seja pela sensação de colapso dos vínculos afetivos. Nesse território de ausência e reconfiguração, o silêncio surge como defesa e, ao mesmo tempo, como abismo entre mulheres que se amam, mas não sabem como expressar esse afeto. Narrado com sensibilidade e ritmo intimista, o roteiro ilumina camadas profundas da experiência feminina. Maré Mãe não busca resolver conflitos com respostas fáceis, mas provocar reflexão sobre os afetos e ruídos que permeiam a vida familiar. O uso pontual do humor funciona como estratégia de empatia e deslocamento, permitindo que temas densos também sejam atravessados por leveza, ironia e humanidade. A obra desafia expectativas ao colocar uma mulher de 60 anos no centro da narrativa, rompendo com a invisibilidade que frequentemente marca personagens femininas na terceira idade. O olhar feminista sobre esses corpos é essencial para construir um cinema mais realista, capaz de romper com os tabus patriarcais que ainda dominam as narrativas audiovisuais, muitas vezes distorcidas por interesses do Estado, da religião e da sociedade. Portanto, Maré Mãe é mais do que um roteiro: é um gesto político e sensível. Busca não apenas contar uma história, mas também ampliar o imaginário coletivo sobre o que é ser mulher, mãe e filha, e provocar uma reflexão crítica sobre os atravessamentos que compõem essas vivências. Resumen “Marea Madre” es un guión de largometraje que se inscribe en el género dramático, incorporando elementos de comedia para generar alivios cómicos dentro de una narrativa profunda. La obra cuestiona los estereotipos asociados a la maternidad y a la vejez femenina, utilizando una perspectiva feminista que desafía las narrativas patriarcales tradicionales. Los temas centrales incluyen la maternidad, los conflictos generacionales y el edadismo, con un enfoque en representaciones frecuentemente superficiales de personajes femeninos, tanto en producciones comerciales como independientes. El proyecto propone la ruptura de estereotipos ligados a la figura de la mujer, a la "entidad-madre" y a la tercera edad, revelando traumas y creencias que se transmiten entre generaciones, especialmente en las relaciones entre abuela, madre e hija. Aborda lo “no dicho” en las dinámicas familiares, explorando el dolor y el silencio que a menudo se instalan entre estas mujeres. Estructurado en tres actos, el guión revela la perspectiva de una madre en conflicto, con dificultades emocionales para lidiar con su propio dolor y con el de su hija. El duelo también es un subtema importante, no solo como pérdida física, sino como un proceso simbólico que atraviesa a las personajes, ya sea por la muerte de la matriarca, ya sea por el colapso de los vínculos afectivos. En ese territorio de ausencia y reconfiguración, el silencio aparece tanto como defensa como como abismo entre mujeres que se aman, pero que no saben cómo expresar ese amor. Narrado con sensibilidad y un ritmo íntimo, el guión ilumina capas profundas de la experiencia femenina. Marea Madre no pretende resolver los conflictos con respuestas fáciles, sino provocar reflexión sobre los afectos y ruidos que atraviesan la vida familiar. El uso puntual del humor funciona como una estrategia de empatía y desplazamiento, permitiendo que temas densos también sean abordados con ligereza, ironía y humanidad. La obra desafía expectativas al colocar a una mujer de 60 años en el centro de la narrativa, rompiendo con la invisibilidad que suele marcar a las mujeres mayores en el cine. La mirada feminista sobre estos cuerpos es fundamental para construir un cine más realista, capaz de romper con los tabúes patriarcales que aún dominan las narrativas audiovisuales, a menudo distorsionadas por intereses del Estado, la religión y la sociedad. Por lo tanto, Marea Madre es más que un guión: es un gesto político y sensible. No solo busca contar una historia, sino también ampliar el imaginario sobre lo que significa ser mujer, madre e hija, provocando una reflexión crítica sobre los cruces que conforman estas vivencias.
Negroamor
(2025-08-07) Oliveira, João Marcos
O projeto NEGROAMOR é uma instalação audiovisual que explora a interseção entre a negritude e o amor, utilizando o cinema expandido como ferramenta de resistência e transformação social. Inspirado no Cinema Negro Brasileiro e no movimento Dogma Feijoada, o projeto busca desafiar estereótipos e promover uma representação autêntica da comunidade negra. A narrativa é estruturada em blocos poéticos, com performances de poetas negros em diferentes locais de Foz do Iguaçu, destacando a diversidade e a complexidade da negritude. A estética do projeto é influenciada por referências do cinema clássico e contemporâneo, com uso de múltiplas telas para criar uma experiência imersiva. Além disso, o projeto resgata a contribuição histórica do povo negro para a ciência e a tecnologia, conectando ancestralidade com lutas contemporâneas por representatividade. NEGROAMOR é um ato político de resistência e celebração, que visa democratizar o acesso ao cinema e preservar a memória cultural negra. Resumen El proyecto NEGROAMOR es una instalación audiovisual que explora la intersección entre la negritud y el amor, utilizando el cine expandido como herramienta de resistencia y transformación social. Inspirado en el Cine Negro Brasileño y en el movimiento Dogma Feijoada, el proyecto busca desafiar estereotipos y promover una representación auténtica de la comunidad negra. La narrativa está estructurada en bloques poéticos, con performances de poetas negros en diferentes lugares de Foz do Iguaçu, destacando la diversidad y complejidad de la negritud. La estética del proyecto está influenciada por referencias del cine clásico y contemporáneo, con el uso de múltiples pantallas para crear una experiencia inmersiva. Además, el proyecto rescata la contribución histórica del pueblo negro a la ciencia y la tecnología, conectando la ancestralidad con las luchas contemporáneas por la representatividad. NEGROAMOR es un acto político de resistencia y celebración, que busca democratizar el acceso al cine y preservar la memoria cultural negra.
Sensorialidade audiovisual: potência queer
(2025) Tranoulis, Milena
Este trabalho busca reforçar a relevância da teoria queer na prática audiovisual e demonstrar como a dimensão subjetiva e social do processo criativo influencia o produto final da obra. É investigado elementos audiovisuais que possibilitam criar uma estética com profunda significação visual, valorizando o potencial afirmativo de tomada de decisão formal consciente. Destaca-se a influência da linguagem cinematográfica como tecnologia de gênero, sendo uma ferramenta estratégica afirmativa e agente de mudanças. O estudo adota a abordagem da Arte como Pesquisa por compreender a complexidade metodológica de criar projetos audiovisuais e o impacto positivo de compartilhar processos de criação, tanto para o produtor como para o receptor. Coloca em foco a sensorialidade de diferentes maneiras, que se inclui na metodologia de pesquisa em artes e na investigação de decisões estéticas. A sensorialidade no cinema possibilita a construção de uma relação íntima entre espectador e filme, tornando-se um espaço promissor para inserir discursos dissidentes. Resumen Este trabajo busca reforzar la relevancia de la teoría queer en la práctica audiovisual y demostrar cómo la dimensión subjetiva y social del proceso creativo influye en el producto final de la obra. Se investigan elementos audiovisuales que permiten crear una estética con una profunda significación visual, valorizando el potencial afirmativo de la toma de decisiones formales conscientes. Se destaca la influencia del lenguaje cinematográfico como tecnología de género, siendo una herramienta estratégica afirmativa y un agente de cambio. El estudio adopta el enfoque del Arte como Investigación al comprender la complejidad metodológica de la creación de proyectos audiovisuales y el impacto positivo de compartir procesos creativos, tanto para el productor como para el receptor. Se pone el foco en la sensorialidad de diferentes maneras, lo que se incluye en la metodología de investigación en artes y en la exploración de decisiones estéticas. La sensorialidad en el cine permite construir una relación íntima entre espectador y película, convirtiéndose en un espacio prometedor para insertar discursos disidentes.
Mariposa: roteiro de longa-metragem
(2025) Bogado Karen Mikaela Lopez; Carvalho, Gabriela Nascimento
Este trabalho de conclusão de curso apresenta a criação do roteiro Mariposa, um longa-metragem de animação bilíngue, que integra elementos da ficção científica soft e afrofuturismo. A obra explora as complexidades do início da vida adulta de mulheres negras, destacando suas vivências e conflitos familiares, alinhando a narrativa aos princípios afrofuturistas. Além disso, o projeto visa fomentar a discussão sobre o protagonismo feminino negro no âmbito do curso de Cinema e Audiovisual da UNILA, contribuindo para a diversificação de narrativas no audiovisual. Para isso, foram analisadas obras cinematográficas e literárias que dialogam com o afrofuturismo e a representação de personagens negras, permitindo a construção de uma narrativa que reflete as experiências humanas de forma ampla e culturalmente significativa. Por fim, o trabalho evidencia a importância da transmissão de mensagens visuais por meio de narrativas culturais, reforçando o papel do afrofuturismo como ferramenta de ressignificação e empoderamento. Resumen Este trabajo de conclusión de curso presenta la creación del guión de Mariposa, un largometraje animado bilingüe, que integra elementos de ciencia ficción soft y afrofuturismo. El trabajo explora las complejidades del inicio de la vida adulta de mujeres negras, destacando sus experiencias y conflictos familiares, alineando la narrativa con los principios afrofuturistas. Además, el proyecto tiene como objetivo fomentar la discusión sobre el protagonismo femenino negro en el ámbito del curso de Cine y Audiovisual de la UNILA, contribuyendo a la diversificación de las narrativas en el audiovisual. Para ello, se analizaron obras cinematográficas y literarias que dialogan con el afrofuturismo y la representación de personajes negros, permitiendo la construcción de una narrativa que refleje las experiencias humanas de una manera amplia y culturalmente significativa. Por último, la obra destaca la importancia de la transmisión de mensajes visuales a través de narrativas culturales, reforzando el papel del afrofuturismo como herramienta de resignificación y empoderamiento.
Métodos e processos na direção de arte: uma pesquisa-ação do Projeto Editorial de Moda Silver Fever
(2025) Dias, Isadora Sabbi
O presente trabalho trata-se de uma pesquisa-ação que objetiva discorrer e refletir sobre métodos e processos em direção de arte utilizando pesquisas bibliográficas nacionais para aprofundar e aprimorar a técnica. Ademais, são relacionadas as bibliografias e o projeto editorial de moda cyberpunk Silver Fever com as etapas de direção de arte executadas desde a sua concepção. São abordados, o trabalho coletivo e a formação de uma equipe plural. Não obstante, discorre-se sobre gambiarra e o upcycling, conceitos que permeiam o projeto Silver Fever. Como resultado, temos uma pesquisa ação que reflete tanto no campo teórico quanto prático de direção de arte trazendo metodologias de estudo e execução da área. Resumen El presente trabajo es una investigación-acción que tiene como objetivo discutir y reflexionar sobre métodos y procesos en dirección de arte utilizando investigaciones bibliográficas nacionales para profundizar y mejorar la técnica. Además, se relacionan las bibliografías y el proyecto editorial de moda cyberpunk Silver Fever con las etapas de dirección de arte ejecutadas desde su concepción. Se abordan el trabajo colectivo y la formación de un equipo plural. No obstante, se discute sobre gambiarra y el upcycling, conceptos que permean el proyecto Silver Fever. Como resultado, tenemos uma investigación-acción que refleja tanto en el campo teórico como práctico de dirección de arte, aportando metodologías de estudio y ejecución del área.
Ha Mba'ére? Guión de largometraje
(2025) Garcia Alvarez, Maria Amanda Jose
O presente trabalho desenvolve a criação de um roteiro de longa-metragem intitulado HA MBA'ÉRE?, com o propósito de ressaltar a importância da língua guarani dentro da cultura paraguaia. Em um contexto no qual muitos paraguaios, incluindo a autora, não falam o idioma, o roteiro busca refletir sobre a identidade e a memória cultural. O título, que em guarani significa “e por quê?” de forma enfática, representa essa busca identitária. A história se passa na região da Cordilheira do Paraguai, especificamente em Itacurubi, e explora a migração, a resistência cultural e a transmissão da memória por meio de símbolos como o plata yvyguy e o tereré. Baseando-se em teorias da narrativa e da escrita de roteiros, este trabalho busca contribuir para a preservação do guarani como um elemento essencial do patrimônio cultural paraguaio, deixando uma marca para as futuras gerações. Resumen El presente trabajo desarrolla la creación de un guión de largometraje titulado HA MBA'ÉRE?, con el propósito de resaltar la importancia del idioma guaraní dentro de la cultura paraguaya. En un contexto donde muchos paraguayos, incluida la autora, no hablan el idioma, el guión busca reflexionar sobre la identidad y la memoria cultural. El título, que en guaraní significa “¿y por qué?” de manera enfática, representa esta búsqueda identitaria. La historia se sitúa en la región de la Cordillera del Paraguay, específicamente en Itacurubí, y explora la migración, la resistencia cultural y la transmisión de la memoria a través de símbolos como el plata yvyguy y el tereré. Basándose en teorías de la narrativa y la escritura de guiones, este trabajo busca contribuir a la preservación del guaraní como un elemento esencial del patrimonio cultural paraguayo, dejando una huella en las futuras generaciones.
Cinematicas en videojuegos y su relacion con el cine
(2025) Centeno Guerrero, Juan Carlos
Este trabalho explora a cinemática como ferramenta narrativa fundamental nos videojogos, analisando a sua relação com as técnicas cinematográficas e a sua evolução como forma de contar histórias de forma imersiva. As cinemáticas são definidas como sequências não interativas que desenvolvem o enredo e os personagens, utilizando técnicas cinematográficas como edição, diálogo, efeitos visuais e sonoros, semelhantes às utilizadas na indústria cinematográfica. O estudo centra-se no conceito de “cinema híbrido”, que funde elementos cinematográficos com a interactividade dos videojogos, criando experiências narrativas únicas. Para isso, são analisados exemplos como Red Dead Redemption II, The Last of Us, Black Mirror: Bandersnatch e Ninja Gaiden, ilustrando como a cinemática enriquece a narrativa e a imersão do jogador. A metodologia inclui referenciais teóricos como "Narrativas audiovisuais: a história" de Pedro Javier Gómez Martínez, "Cinema e videogames: um diálogo transversal" de José María Villalobos, "A linguagem das novas mídias" de Lev Manovich (2001), que destacam como os videogames adotaram a linguagem cinematográfica, utilizando técnicas como montagem, composição visual e narrativa linear para criar experiências mais imersivas, e "Hamlet no Holodeck: O Futuro de Narrative in Cyberspace" de Janet Murray (1997), que analisa como a cinemática pode ser vista como uma forma de narrativa imersiva, onde o jogador é transportado para um mundo ficcional através de sequências visuais e sonoras. Os resultados mostram que a cinemática não serve apenas para avançar a trama, mas também para estabelecer atmosferas e contextos narrativos, influenciados por técnicas cinematográficas com estilo de montagem alternativo. Conclui-se que a cinemática é uma ferramenta narrativa essencial que tem transformado a forma como as histórias são contadas nos videogames, aproximando-se da linguagem cinematográfica e ampliando as possibilidades de expressão artística em ambas as mídias. Resumen El presente trabajo explora las cinemáticas como una herramienta narrativa clave en los videojuegos, analizando su relación con las técnicas del cine y su evolución como medio para contar historias de manera inmersiva. Las cinemáticas, son definidas como secuencias no interactivas que desarrollan la trama y los personajes, emplean técnicas cinematográficas como el montaje, diálogos, efectos visuales y sonoros, similares a las utilizadas en la industria cinematográfica. El estudio se centra en el concepto de "cine híbrido", que fusiona elementos cinematográficos con la interactividad de los videojuegos, creando experiencias narrativas únicas. Para ello, se analizan ejemplos como Red Dead Redemption II, The Last of Us, Black Mirror: Bandersnatch y Ninja Gaiden, que ilustran cómo las cinemáticas enriquecen la narrativa y la inmersión del jugador. En la metodología incluye las referencias teóricas como "Narrativas audiovisuales: el relato" de Pedro Javier Gómez Martínez, "Cine y videojuegos: un diálogo transversal" de José María Villalobos, "The Language of New Media" de Lev Manovich (2001), quienes destacan cómo los videojuegos han adoptado el lenguaje cinematográfico, utilizando técnicas como el montaje, la composición visual y la narrativa lineal para crear experiencias más inmersivas, y "Hamlet on the Holodeck: The Future of Narrative in Cyberspace" de Janet Murray (1997), quien analiza cómo las cinemáticas pueden ser vistas como una forma de narrativa inmersiva, donde el jugador es trasladado a un mundo ficticio a través de secuencias visuales y sonoras. Los resultados muestran que las cinemáticas no solo sirven para avanzar la trama, sino también para establecer atmósferas y contextos narrativos, influenciados por técnicas cinematográficas con un estilo de montaje alternativo. Se concluye que las cinemáticas son una herramienta narrativa esencial que ha transformado la forma en que se cuentan historias en los videojuegos, acercándose al lenguaje cinematográfico y ampliando las posibilidades de expresión artística en ambos medios.
Memórias e histórias contadas e retratadas pelas lentes que imortalizam os momentos
(2025) Paranhos, Maria Aparecida Santana
O presente trabalho de conclusão de curso (TCC) tem como objetivo explorar, através do cinema expandido, composto desde fotografias analógicas, digitais e vídeos, da mesma forma que as experiências pessoais e as conexões que marcaram o meu caminho ou trajetória acadêmica em cinema e audiovisual. O projeto será apresentado no meu próprio espaço, na minha casa, onde cada espaço será utilizado para representar momentos eternos da minha história, desde vivências familiares, amorosas, viagens e memórias da própria natureza. Cada espaço da minha casa representa um aspecto distinto da minha vida, utilizando projeções, sons e objetos simbólicos para gerar uma experiência sensorial, emocional e participativa nos espectadores, pois a sala apresentará imagens da minha família, a cozinha será um espaço de compartilhar e nutrir, enquanto o quarto de visitas lembranças das minhas viagens. Já o banheiro, em conjunto com os outros, uniram os elementos de água e fogo em uma apresentação visual e sonora da natureza. O projeto tem como objetivo não só uma reflexão sobre a memória individual, mas também um diálogo com os espectadores e as conexões das suas próprias experiências através da arte. Esse trabalho está fundamentado em referências teóricas de autores como George Didi-Huberman, Joel Candau e Emmanuel Alloa, aportando uma visão profunda sobre a relação entre imagem, memória e identidade.

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